Monday, May 31, 2010

HOT TRACKS

Richard Hawley: 

"There Is a Storm a Comin".


A pesar de que no exista razón evidente por la cual me tenga que justificar, lo haré, como siempre, e intentaré así no transformar a wilsonferreyra (aka Wilson) en un troll implacable o, peor aún, en un firme detractor.
Por eso, ¿por qué Richard Hawley hoy si el nuevo EP, False Land From The Land, sale la semana que viene? ¿Por qué? Bueno, la razón principal: el frío. Es que el barítono aterciopelado de Hawley estremece y calienta (funciona a varios niveles, bah, a dos: cada uno sabrá con cuál acepción quedarse...), haciendo imposible, hiperbólica, su escucha en temperaturas superiores a los quince grados. Porque, y agradezcamos nuestra lejanía con respecto a los trópicos, el frío nos vuelve ?más- melancólicos, reflexivos, ensimismados (y encimados), más receptivos.

OK, es un capricho. Seis discos después, el crooner y ex compañero de Jarvis Cocker, continúa hipnotizando con sus potentes cuerdas vocales y ese estilo que lo ubica fuera del tiempo, como un Scott Walker británico. "There Is a Storm a Comin" es un tema que, como todo el sencillo (que incluye "Remorse Code", del disco Truelove´s Gutter de 2009) y según las propias palabras de Hawley, está "inspirado en el océano". Yo digo que es un día ideal para que naveguemos junto él; vos fijate.



/_common/images/weblogs/autores/Yamila Trautman.jpg Autor: Yamila Trautman.

Publicado en el Blog HOT TRACKS: El Tema Nuestro De Cada Día. 
Fuente: Revista Rolling Stone de Argentina.

BEADY EYE

El nuevo grupo de Liam Gallagher.

La banda del ex frontman de Oasis ya tiene nombre, y se encuentra trabajando en estudios para un futuro disco.


Liam Gallagher, ex cantante de Oasis, ya bautizó a su nuevo grupo: Beady Eye es el nombre del combo que integra con el guitarrista Gem Archer, el bajista Andy Bell y el baterista Chris Sharrock, o sea, la última formación de Oasis sin su hermano Noel, tal como informamos en su momento.

Según el site de la revista Mojo, Beady Eye se encuentra trabajando con el productor Steve Lillywhite (U2, Rolling Stones, Morrissey) para un futuro disco debut, aún sin fecha confirmada de lanzamiento. 

Fuente: Revista Rolling Stones de Argentina/Foto: AP

Q.E.P.D "Negro"

Murió el músico Rubén Juárez.

El bandoneonista y cantor falleció esta mañana luego de sufrir un intenso deterioro de salud, producto de un cáncer de próstata que sufría desde hacía varios años. 


Amigos del artista del dos por cuatro le confirmaron a Télam su deceso que se produjo en la mañana de hoy en el sanatorio Güemes de esta capital donde estaba internado en terapia intensiva.

Fuente: Agencia de Noticias Télam/Foto: Archivo 

Un repaso por su vida y su carrera. 

Rubén Juárez nació en Córdoba, el 5 de noviembre de 1947, pero se crió en Buenos Aires, donde se hizo famoso al llegar al escenario de Cano 14, en 1969. Fue recibido como una joven promesa del tango, en una época en la que el género no pasaba por su mejor momento ya que las nuevas generaciones le prestaban atención a los artistas del rock y a los salidos del Club del Clan. 

Con mucha personalidad, supo abrirse paso. Ese mismo año grabó un tema para el sello Odeón, y al año siguiente ganó notoriedad gracias a su participación en el programa Sábados circulares, de Pipo Mancera.
Con temas propios como "Qué tango hay que cantar" y "Mi bandoneón y yo", más sus versiones memorables de clásicos del género, Juárez adquirió un estilo que dejó su marca en la música popular. 

 

Trazó una carrera como solista, tocó con figuras como Armando Pontier, Leopoldo Federico, Carlos García, Raúl Garello y Roberto Grela. Salió de gira por el exterior en varias oportunidades. Instaló su propio local de música, el Café Homero. 

Hace casi una década se radicó en Córdoba, en una casa en Carlos Paz, pero sin el deseo de retirarse de la música. Fue apenas un cambio de aire que no le impidió seguir grabando discos y ofreciendo recitales dentro y fuera del país. 

Fuente: lanacion.com/Videos: YouTube

SILVIO RODRÍGUEZ - SEGUNDA CITA (2010)

C.G.C Recording S.A (En Formación)

C.G.C Recording S.A (En Formación)

EL DISCO RECOMENDADO DEL DÍA ES:
Artistas: SILVIO RODRIGUEZ
Álbum: SEGUNDA CITA
Género: POPULAR
Año: 2010

Sunday, May 30, 2010

DENNIS HOPPER

El intérprete y director falleció ayer a los 74 años

Fue un actor talentoso y difícil de manejar.
Quedará identificado para siempre con el espíritu rebelde de  Busco mi destino ( Easy Rider ).


LOS ANGELES (AP).- El actor y director Dennis Hopper, protagonista de Busco mi destino , falleció ayer en su casa de Venice, California, a los 74 años, tras pelear contra un cáncer de próstata. 

* * *  
Por esas ironías del destino, el hombre que representó quizá mejor que ninguna otra figura de Hollywood el espíritu rebelde, contracultural y rupturista de los años 60 terminó sus días enfrentado en una furibunda pelea con su quinta y última esposa, Victoria Duffy, con mucho dinero de por medio.

A fines de enero, Hopper le pidió el divorcio mientras peleaba en un hospital contra un avanzado cuadro de cáncer de próstata, diagnóstico que recibió en 2002 y sólo quiso revelar al público a fines de 2009. Pero Duffy - madre de uno de los cuatro hijos de Hopper, todos de diferentes matrimonios - respondió a ese pedido reclamando para ella un seguro de vida de un millón de dólares. 

Referirse a Dennis Hopper a partir de cifras de esa magnitud podía resultar un flagrante contrasentido cuatro décadas atrás. 


Fue en 1969 cuando alcanzó con Busco mi destino ( Easy Rider ) la cumbre expresiva del espíritu inconformista y provocador que se respiraba en buena parte del ambiente cultural de Hollywood. 

En ese largo viaje en motocicleta por las rutas norteamericanas, fruto de una activa colaboración con su contemporáneo Peter Fonda, actor y personaje se fundían en una búsqueda que seguía algunas de las líneas centrales del movimiento hippie: experimentación con drogas, libertad sexual, cuestionamientos al poder. 

Ese espíritu contestatario al que no le faltaron paradojas - Busco mi destino fue un extraordinario éxito de taquilla - cambió para siempre el perfil de Hollywood. Gracias, en buena medida, a esa travesía fílmica, quedó definitivamente atrás un modelo de producción apoyado en los estudios que el propio Hopper conocía bien. Allí empezó como actor en los años 50, con Johnny Guitar y dos films ( Gigante y Rebelde sin causa ) junto a su amigo James Dean, cuya trágica muerte lo afectó profundamente. 

Con fama de tipo iracundo y difícil de manejar, a Hopper no le costó inclinarse progresivamente hacia los papeles de villano, perfil que consolidaría durante los años 90 en varias superproducciones ( Máxima velocidad , Waterworld ) de un Hollywood bien distinto del que ayudó a modificar a fines de la década del 60. Esa etapa de renovada popularidad para Hopper llegó después de los años 80, la década de sus mejores papeles en el cine. 

Se lució como nunca en Terciopelo azul , de David Lynch, y en La ley de la calle , de Francis Ford Coppola, con quien ya había compartido los trastornos del rodaje de Apocalypse Now , donde hizo de un enajenado fotógrafo que también parecía una extensión de sí mismo. 

Al fin y al cabo, Dennis Lee Hopper - con cuyo nombre nació el 17 de mayo de 1936 en Dodge City, Kansas - siempre eligió la franqueza, la desmesura y cierto espíritu cargado de contradicciones para llevar adelante su carrera artística. 

Luego de Busco mi destino , con libertad y recursos para hacer lo que quisiera, emprendió en Perú un ambicioso proyecto ( The Last Movie ) que culminó de la manera más catastrófica: la película, experimental al extremo, resultó ininteligible y arruinó por un buen tiempo las perspectivas de la carrera de Hopper como director. 

Más adelante realizaría mayormente films por encargo con resultados dispares: de los atendibles relatos policiales Colors y Zona caliente (con una deslumbrante Jennifer Connelly) a la impresentable sátira Misión explosiva .

Una vida agitada 

Enfrentó serios vaivenes artísticos y personales durante varios años. Tardó en recuperarse de las secuelas de un fugaz y accidentado matrimonio con la bella actriz Michelle Phillips, que duró siete días y culminó en denuncias de maltrato por parte de la mujer. 

Pero en los últimos años logró estabilizarse sin perder la creatividad - su talento como fotógrafo, pintor y coleccionista de arte moderno era indiscutible - y orientando su trabajo hacia espacios más previsibles. Así, se convirtió en un confiable actor de reparto en el cine y la TV, donde protagonizó las series E-Ring y Crash , esta última inspirada en Vidas cruzadas, film ganador del Oscar.  

Trabajó más que nunca en los últimos años (decía que era para sostener económicamente a sus dispersos hijos) y semejante exigencia debe haber afectado mucho más su salud, porque buena parte de esa hiperactividad final se produjo en su caso luego de contraer el mal que terminó venciéndolo. 

Fue la última batalla de una figura de culto, que siempre hizo gala de un espíritu indómito e inquieto. 

Seguramente, ese afán por moverse siempre sin ataduras le permitió afirmarse y ganar un lugar de privilegio en Hollywood, incluso con sus contradicciones a flor de piel. No se conoció otra figura de tanta exposición contestataria en los agitados años 70 que se haya convertido, como él, en un confeso admirador del Partido Republicano y, en especial, de su antiguo colega Ronald Reagan.

Por Marcelo Stiletano.

HITOS FILMICOS

  • Rebelde sin causa (1959): Hopper tenía 19 años cuando participó del último film de su amigo James Dean, que murió un mes después del estreno.

  • Busco mi destino (1968): Fue director, protagonista y coguionista del film que marcó a toda una generación. Con Peter Fonda y Jack Nicholson.

  • El amigo americano (1977): Hopper es un marchand que induce a un hombre moribundo (Bruno Ganz) a cometer un crimen.

  • Apocalypse Now (1979): se suma a la visión de Francis Ford Coppola sobre Vietnam como un enajenado fotógrafo.

  • Terciopelo azul (1986): Frank Booth, el psicópata asesino que recurre a una máscara de gas, es el gran papel de Hopper como actor.

  • Máxima velocidad (1994): se consolida como un gran villano del Hollywood de alto impacto de los 90, enfrentando a Sandra Bullock. 
Fuentes: AP/lanacion.com/Fotos:EFE

Friday, May 28, 2010

COURTNEY & KATE

El affaire de Courtney Love y Kate Moss.

La cantante confesó que tuvo una relación con la modelo a mediados de la década del 90.


Hace poco tiempo atrás, Courtney Love dijo que tiempo atrás había tenido un affaire lésbico con una conocida top model, sin dar el nombre en cuestión.. Y en una entrevista con la revista Hot Press develó, finalmente, el enigma: la modelo en cuestión era ni más ni menos que Kate Moss. 

"Sí, fue con Kate Moss y a ella no le importó", dijo Love. "Ella no estaba tomando tantas drogas. Fue sólo algo que ocurrió en Milán a mediados de los 90, y fue muy divertido que pasara. Y ella habló al respecto, por lo que espero que no se vuelva loca con esta declaración. Kate es una muy buena amiga: estuve a punto de comprar su casa en el barrio de St. John's Wood en Londres", señaló Courtney, que en la misma entrevista se refirió a los U2 ("Amo a Bono y a los muchachos"), Billy Corgan y hasta Hugo Chavez. 

Fuente: Revista Rolling Stone de Argentina.

Q.E.P.D

El adiós a Gary Coleman.

El actor de  Blanco y negro  sufrió un accidente y murió ayer en un hospital de Utah a los 42 años.

La familia de Blanco y negro. Dana Plato, alias Kimberly, única ausente.

A pesar de su corta estatura, Gary Coleman es uno de los íconos más grandes de los 80. Fue su personaje de Arnold Jackson en la serie Blanco y Negro (Diff´rent Strokes) el que le otorgó fama y proyección internacional. Arnold y Willis (Todd Bridges) su hermano mayor, eran dos huérfanos negros del barrio de Harlem, adoptados por el Señor Drummond (Conrad Bain), un millonario que vivía en un penthouse de la lujosa Park Avenue junto a su hija Kimberley (Dana Plato) y diversas amas de llave (¿Mi favorita? Adelaida) que fueron cambiando a lo largo de las distintas temporadas de la serie. Cuesta creer que lo que indican las noticias: Gary Coleman acaba de morir en un hospital de Utah, a los 42 años, después de un accidente que le produjo una hemorragia intercraneal.

Arnold era un gordito extra small, con unos cachetes irresistibles y una frase de cabecera ("¿De qué estás hablando, Willis?"), que se transformó en una de las más célebres en la historia de la televisión mundial. Tenía un pez dorado, Abraham, que oficiaba de confidente en sus elucubraciones infanto-juveniles (el funeral de Abraham, al estilo New Orleáns, con "When The Saints Goes Marchin' In" como soundtrack es uno de mis episodios favoritos). 

La serie comenzó a emitirse en 1978 y duró hasta 1986. Ocho años para una eternidad catódica, con guiones que, desde la "comedia familiar" abordaron temas filosos como el racismo, las drogas, la muerte e, incluso, la pedofilia.

Gary tenía una enfermedad renal que atrofió su crecimiento y lo mantuvo siempre en la estatura de Arnold. Un karma que lo acompañó por el resto de sus días. Filmó varias películas, entre ellas On The Right Track (1981), donde personificaba a un lustrabotas que vivía en el locker de una estación de trenes; y The Kid UIT The 200 I.Q., donde personificaba a un niño superdotado que entraba a la universidad. También participó en episodios de Casado con hijos y Los Simpsons. Y protagonizó episodios lamentables cuando en su ostracismo de los 90 trabajaba como cuidador de autos en un garage. 

Ahora que desconectaron el respirador que lo mantenía vivo después del accidente, ahora que muere el actor y nace la leyenda, ahora que Blanco y negro se cobra una nueva víctima (Dana Plato, Kimberley, falleció en 1999 de una sobredosis), nos queda el recuerdo de Arnold. Arnold jugando al básquet en una calle de Harlem, Arnold subiendo a la limusina del señor Drummond, Arnold jugando en los fichines y Arnold en la cafetería, con su amigo Dudley. Yo lo elijo vestido con su enterito de jean, con un pañuelo al cuello y su gorro de motorista, listo para jugar con su tren de miniatura. Un atuendo memorable para un episodio memorable. 

Por Humphrey Inzillo

Fuente: Revista Rolling Stone / Foto de AP.

HOT TRACKS

A Jeff Buckley.


Where is love, where is happiness, what is life, where is peace? Quizás el río, en su fondo turbio o en su superficie revuelta, atesore todas las respuestas. Quizás el río sea el oráculo y el destino. Quizás el Mississippi.

Oh, drink a bit of wine we both might go tomorrow. Cuando pienso en Jeff Buckley, las preguntas, el por qué, el miedo y la tiranía de la inexorabilidad y la incertidumbre se agolpan conformando un único y enorme nudo en la garganta. Cuando escucho a Jeff Buckley trato de imaginar qué estaba pensando. Me pregunto si él sabía, si él quería o presentía, si buscaba su Vida Eterna o tan sólo buscaba respuestas. Me pregunto si las encontró o qué encontró; me pregunto si tan sólo halló un final trágico, su salvación que fue también su condena. Pregunto pero a mí, el Mississippi no me habla.

So I´ll wait for you and I´ll burn, ´Cause it´s not too late. Podemos, claro, seguir con lo que dejó. Quedarnos con su voz única, con su belleza, con su imagen de crooner eternamente joven. Y Grace, los discos póstumos, sus letras y esa expresividad hermosamente funesta. Podemos hasta intentar buscar, aunque sepamos que será en vano, huellas o rastros, reconstruir su cosmovisión, su mirada particular acerca de la vida, el amor, la felicidad y la muerte. Mañana 29 de mayo se cumplen trece años del episodio que lo resignificó terminando con su existencia corpórea, y que lo unió con su malogrado papá Tim en el más allá (cabe recordar que Buckley Sr. y Buckley Jr. no se llevaron nada bien, y que Jeff solía decir que su cantante preferido de todos los tiempos era Robert Plant, un poco para ningunear el enorme talento del creador de discos indispensables como Lorca o el maravilloso Live in London 1968, serio candidato al mejor vivo de la historia). Este es nuestro pequeño homenaje pero no nuestro último adiós.

OK, vamos con un Top Five totalmente Random, para que lo escuchemos en varios ánimos y en su amplitud vocal, con dos de Grace (la hermosa hermosa hermosa, "Lover, You Should´ve Come Over" y la que le da el nombre al disco); dos de Sketches for My Sweetheart the Drunk (la oscura "Nightmares By the Sea" y la alegre y más beatle "Witches´ Rave"); y una del vivo Mystery White Boy, "I Woke Up in a Strange Place". Me quedo con ganas de mucho más, sépanlo.

"Lover, You Should´ve Come Over"




"Nightmares By the Sea"




"I Woke Up in a Strange Place"




"Witches´ Rave"




"Grace"





/_common/images/weblogs/autores/Yamila Trautman.jpg Autor: Yamila Trautman.
 
Publicado en el Blog HOT TRACKS: El Tema Nuestro De Cada Día. 
Fuente: Revista Rolling Stone de Argentina.

"SEX AND THE CITY 2"

Recaudó tres millones de dólares en la noche de su estreno.


La película "Sex and the City 2" recaudó tres millones de dólares en taquilla la primera noche de estreno en Estados Unidos al ser proyectada en cerca de 2.000 salas de cine, informó ayer "The Hollywood Reporter". A las pantallas argentinas llegará el 3 de junio. El trailer.


Esta cifra equivale al 20 por ciento más de lo que amasó la primera versión cinematográfica de la serie de televisión de HBO durante el fin de semana del Memorial Day en 2008, reportó la agencia DPA.

Hace dos años, "Sex and the City" recaudó en taquilla 62,6 millones de dólares los primeros cuatro días de debut y a nivel nacional llegó a los 152,6 millones.

Los estudios de la Warner Brother y su empresa productora New Line esperan alcanzar los 60 millones con esta nueva versión durante este fin de semana largo.

Al parecer los más fervientes seguidores de las glamorosas chicas neoyorquinas interpretadas por Sarah Jessica Parker, Kim Cattrall, Cynthia Nixon y Kristin Davis ya han reservado su boleto para este fin semana. Las cifras de ventas anticipadas ya llega a los dos millones de dólares.

Fuente: Agencia de Noticias Télam.

HOT TRACKS

Arcade Fire: 

"The Suburbs"


"I know a time is coming
All words will lose their meaning"


"¿Hope or hype?" pregunto yo y me respondo a mí misma: "Hit". Aunque con sólo dos discos Arcade Fire, disentirán o no, no necesita convencernos de nada. Porque los Arcade Fire y sus arreglos orquestales, barrocos pero atinados, encantan, hipnotizan, movilizan. Será difícil, sí, superarse después de Neon Bible (2007) -y Mirror Noir, ese DVD- pero confiamos en que The Suburbs (como se llamará el sucesor, a editarse el 2 de agosto), lo logrará. Y he aquí el primer indicio de mi inequívoco razonamiento.

Hace varias semanas, la banda comandada por Win Butler anunció el lanzamiento del primer single "The Suburbs / Month of May" mediante su página web en la que se podía escuchar los primeros segundos de cada tema. Y durante el día de ayer, los canadienses estrenaron ambos temas en la Radio 1 de la BBC.

El track que da nombre al disco (pueden chequear la letra acá y "dragandropearla" a gusto y piacere), representa la cara amable de este single: guitarras folkies, el registro más agudo de Butler en un estribillo no-tan-pegadizo, violines de fondo. Y "Month of May", por el contrario, saca a la luz su costado más punk (que muchos creían inexistente) con una estructura simple de beats marcados pero asentada sobre su característico colchón (?) de cuerdas.

Ustedes dirán (los audios son de YouTube por un problema técnico, sepan disculpar).


"The Suburbs"  



Y "Month of May" 



/_common/images/weblogs/autores/Yamila Trautman.jpg Autor: Yamila Trautman.

Publicado en el Blog HOT TRACKS: El Tema Nuestro De Cada Día. 
Fuente: Revista Rolling Stone de Argentina.

SERRAT/MIGUEL HERNANDEZ - HIJOS DE LA LUZ Y DE LA SOMBRA (2010)


C.G.C Recording S.A (En Formación)

C.G.C Recording S.A (En Formación)

EL DISCO RECOMENDADO DEL DÍA ES:
Artistas: SERRAT / MIGUEL HERNANDEZ
Álbum: HIJOS DE LA LUZ Y DE LA SOMBRA
Género: POPULAR
Año: 2010 

Thursday, May 27, 2010

EL DISCO RECOMENDADO DEL DÍA ES:


EL DISCO RECOMENDADO DEL DÍA ES:

Artistas: SCORPIONS
Álbum: STING IN THE TAIL
Género: ROCK
Año: 2010

THOM YORKE

Y sus átomos para la paz.

El líder de Radiohead presenta Atoms for Peace, la banda ultrarrítmica que comparte con Flea, el bajista de los Red Hot Chili Peppers. 


"Esta es una que no escucharon nunca", dijo el cantante de Radiohead, Thom Yorke, cuando presentó una nueva canción, "A Walk Down the Staircase" durante la parte solista del concierto que el 5 de abril dio con su proyecto paralelo, "Atoms for Peace" en el Roseland de Nueva York. De hecho, la movida entera -los primeros dos shows en Roseland y el lanzamiento de una breve gira por Estados Undios que terminó el 18 de abril en Coachella- fue un ataque sorpresa, con Yorke, el bajista de los Red Hot Chili Peppers Flea, el productor de Radiohead Nigel Godrich (en teclados y guitarra), el baterista Joey Waronker y el percusionista Mauro Refosco, quienes tocaron unas reversiones jungle-funk de las oscuras canciones digitales de "The Eraser", el disco de Yorke de 2006. 

"Me equivoqué mil veces esta noche", confesó Flea después del show, riéndose bajo su pelo azul eléctrico en el backstage. "Thom compuso estas canciones en laptops. Hay notas que son fáciles de tocar en una computadora: sólo tenés que apretar un botón. Pero tocarlas en vivo, con un instrumento, es todo un desafío".
 
Yorke tocó otra canción nueva el 5 de abril, "Daily Mail", y también material de Radiohead en las dos listas de temas de Roseland, incluidos "Everything in Its Right Place" y los lados B "Paperbag Writer" y "Fog" (la segunda noche). En esta última, Yorke cantó: "Y la niebla sube desde las cloacas", inspirado sin duda por un enorme incendio subterráneo que había tenido lugar esa misma tarde, y que obligó a las autoridades a cerrar la calle Roseland y a mandar a la gente con ticket a hacer una larga cola frente a la entrada trasera del lugar. 

Antes de Roseland, Atoms for Peace había tocado sólo tres veces, todas en Los Angeles. Pero Yorke la considera una banda con futuro, definitivamente. En una recepción después del show en el backstage, reveló que Atoms for Peace ensayó varios días antes de los shows de Nueva York en los estudios Electric Lady, donde trabajaron en riffs y ritmos para potenciales canciones nuevas. Y, según confirmó Flea, "estuvimos armando unas cosas bastante grossas".

Por David Fricke.

Mirá a Atoms for Peace haciendo "Open The Floodgates", uno de sus nuevos temas. 

 

Fuente: Revista Rolling Stone de Argentina.

Wednesday, May 26, 2010

EL DISCO RECOMENDADO DEL DÍA ES:


C.G.C Recording S.A (En Formación)

Artistas: PLAN B
Álbum: LA DIFAMACIÓN DE BANCOS STRICKLAND
Género: ELECTRONIC
Año: 2010

ANGIE SANCLEMENTE

Detuvieron en Palermo a la modelo colombiana acusada de narcotraficante.

La modelo colombiana Angie Sanclemente Valencia fue detenida esta tarde en el barrio porteño de Palermo, acusada de liderar una red de narcotraficantes, informaron voceros de la Policía de Seguridad Aeroportuaria (PSA).


La joven, de 30 años, fue encontrada alojada en un hostel situado en Paraguay 3358, hacia donde se dirigió el juez en lo Penal Económico Marcelo Aguinsky, quien libró su orden de captura nacional e internacional en diciembre pasado.

Sanclemente Valencia fue hallada en el hostel K-Lodgdes, que funciona como alojamiento para turistas y residencia para estudiantes universitarios y tiene una tarifa muy accesible, de 9 dólares diarios en habitación cuádruple.

Según consta en la causa que lleva adelante Aguinsky, la modelo colombiana llegó a la Argentina el 7 de diciembre con un perro de raza pomerania, que terminó siendo clave para identificarla ya que el animal quedó registrado en la bodega y así se pudo ubicar a la sospechosa.

Para los investigadores, su arribo al país tenía como objetivo montar una gran organización para traficar cocaína desde la Argentina hacia Europa, vía Cancún (México), haciendo salir la droga vía aérea.

Pero los planes comenzaron a frustrarse cuando parte de la banda que la modelo supuestamente lideraría comenzó a ser detenida seis días después por la PSA en el aeropuerto internacional de Ezeiza.

La primera fue una chica de 21 años que el 13 de diciembre intentó embarcar en un avión con destino a Cancún una valija con 55 kilos de cocaína y poco después fueron detenidos cinco hombres vinculados al envío de la droga, por la cual aparentemente pagaban 5.000 dólares el viaje.

El 18 de diciembre, Aguinsky libró la orden de captura nacional e internacional contra la modelo, la cual fue ratificada por la Cámara en lo Penal Económico al entender que su participación en los hechos "en principio y por el momento, no parecen irrazonables".

En esta misma causa ya hay seis procesados, algunos con prisión preventiva y otros en libertad, por lo que el abogado de Sanclemente Valencia, el ex juez Guillermo Tiscornia, le recomendó a su clienta, a través de su madre, que se presentara ante la Justicia porque no podía mantenerse en la clandestinidad por tanto tiempo.

Sin embargo, la mujer, manifestó su temor de ser violada o atacada en la cárcel debido a que tiene un cuerpo exhuberante.

La exención de prisión a la acusada fue denegada primero por Aguinsky y luego por la Cámara por entender que puede fugarse o entorpecer la investigación.

La sala B interpretó que de la causa principal no surgen elementos fehacientes que den cuenta que Sanclemente Valencia "posea un trabajo lícito, estable y verificable" y que pese a que es colombiana, vive en México y ahora estaría en el país, lo que significa que "no tendría una residencia" y esto configura un peligro de fuga. "Si Sanclemente Valencia permanece en libertad puede obstaculizar el avance de la pesquisa y/o ponerse de acuerdo con otras personas para impedir la acabada acción de la justicia", sostuvieron los camaristas en un fallo dictado el 27 de abril.



Nota Relacionada: LA REINA NARCO: Angie Sanclemente. domingo 28 de febrero de 2010

Fuente: Agencia de Noticias Télam / Foto: Archivo.

GUSTAVO CERATI

Podría ser trasladado la semana que viene a Buenos Aires.

Los médicos que atienen a Gustavo Cerati confirmaron hoy que el músico podría ser trasladado a Buenos Aires la semana que viene. "Hay una disminución significativa del edema cerebral", se entusiasmaron.
 

El músico argentino fue afectado por un accidente cerebrovascular se encuentra internado en la clínica La Trinidad de Caracas, y según el doctor Alfredo Sáez, director del establecimiento médico en el que el músico está internado desde hace 11 días, "de mantenerse el cuadro favorable actual se acorta la posibilidad de trasladar a Cerati a la Argentina, hecho que podría ocurrir la semana próxima".

Sáez señaló que la evolución actual del músico es "positiva" y que "continúa la disminución del edema cerebral" e informó también que por pedido de la familia la información sobre el estado de salud del músico "será, de ahora en más, a través del portal cerati.com". 

Fuente: Agencia de Noticias Télam / Foto: Archivo.

HOT TRACKS

The Cure: 

"Disintegration".


Claro, claro, así cualquiera. Yo también agarro a Swedenborg, le agrego un poco de Casper (?), te hago un final repleto de misticismo liviano y me olvido de los números, del oso polar y de Walt. Mientras muchos invertimos gran parte del fin de semana bicentenario pensando cómo hacer para prenderle fuego la casa a Damon Lindelof por habernos quedado hasta las seis de la mañana del lunes sufriendo en vano, otros festejaron los doscientos años de la patria y otros, acaso los más astutos, no hicieron ni una cosa ni la otra comprendiendo que lo que importa en este mundo definitivamente no se transmite por televisión. Estos últimos quizás notaron (o no) que en estos días se salió a la luz una versión deluxe del gran disco de The Cure, Disintegration, con grabaciones inéditas, temas instrumentales y otros en vivo.

Recordarán el tracklist de aquella pieza maestra de 1989 y sus highlights: "Pictures of You", "Lovesong", "Lullaby", "Prayers for Rain"... Una sucesión de canciones oscuras, ominosas, envueltas por una atmósfera densa principalmente cargada por el desequilibrio emocional de un Robert Smith atravesando su crisis de los 30. Para festejar la mayoría de edad del álbum, además de esta edición triple (que incluye un CD de rarezas con instrumentales y demos y uno vivo registrado en Wembley en 1989) la banda puso a disposición el audio de otros veinte temas a través de su página oficial.

Hay que ser realistas: la probabilidad de que regresen 23 años después de los famosos incidentes en el Estadio Ferro, es ínfima. Por eso o para olvidar eso, escuchemos el tema que da nombre al disco (en versión directa tomada de un show en Dallas):



Y una mezcla de 1988 de
"Prayers for Rain":




/_common/images/weblogs/autores/Yamila Trautman.jpg Autor: Yamila Trautman.

Publicado en el Blog HOT TRACKS: El Tema Nuestro De Cada Día. 
Fuente: Revista Rolling Stone de Argentina.

Monday, May 24, 2010

LA IGUANA

Habla Iggy Pop.

Sobre el poder crudo de los Stooges y escribir punk rock en pijamas de seda.


Después de haber sido rechazados siete veces, los Stooges finalmente son miembros del Rock & Roll Hall of Fame. "Una cosa más por la que puedo quedarme tranquilo antes de palmar", dice Iggy Pop, 63 años, frontman de los pioneros del punk. Los fans de los Stooges tienen otra razón más para estar contentos: su obra maestra de 1973, Raw Power -producida por Iggy y mezclada por Iggy y David Bowie-, acaba de ser reeditada a puro lujo, con inéditos y bonus en vivo que incluyen un concierto particularmente perverso y combativo de 1973 en un bar de Atlanta. (En un momento, Iggy provoca al público: "¿Quieren una trompada en su puta cara, blanquitos?"). "Estaba en llamas esa noche", alardea Iggy. Los Stooges continuarán celebrando Raw Power este año con una serie de conciertos especiales en los que tocará el ex guitarrista James Williamson, que entró a reemplazar al fallecido Ron Asheton. "James es el único miembro de la banda que me responde los mails", dice Iggy. "Está motivado, y estamos tocando bien." 

En el reciente concierto a beneficio de la Tibet House en el Carnegie Hall, te tiraste del escenario durante "I Wanna Be Your Dog". ¿Por qué?

Porque en el medio del público había una gente mirándome. Ahí parados. Los miré. Ellos me miraron. Y pensé: "Les voy a saltar encima". Y lo hice. No estaban desconcertados, ni confundidos, ni ofendidos, ni entusiasmados, sólo decían: "¡¿Qué hacés?!". Cuando aterricé, me dolió; así que apunté mentalmente que el Carnegie Hall sería un buen lugar para mi último stage-diving. 

¿Qué fue lo primero que pensaste cuando te llamaron para entrar en el Salón de la Fama?

Los primeros quince minutos, pensé en toda la gente a la que nunca le caí bien; pensé: "¿Y ahora qué les parece?". Y entonces me cayó la ficha, y me sentí abrumado, un poco conmovido, enojado... y lagrimoso. 

Hace casi cuarenta años grabaste Raw Power en Inglaterra con David Bowie. ¿Cómo era Londres en esa época?

El lugar más civilizado en el que jamás estuve. Todos tenían su botellita de leche en la puerta de su casa, y nadie se robaba la leche del otro. Era una leche muy buena. Rupert Murdoch todavía no había comprado el Times, así que todavía se publicaba con esa hermosa tipografía antigua. La anorexia estaba de moda. Vivíamos en un lindo barrio, con el cine Forum ABC en la esquina y un pequeño restaurante turco que se llamaba Baghdad, donde ponían discos de Neil Young y te vendían porro. Sentíamos que habíamos ido al cielo. 

¿Dónde estabas cuando escribiste la primera línea de "Search and Destroy": "I'm a streetwalkingcheetah with a heart full of napalm" [soy una chita callejera con el corazón lleno de napalm]?

Abajo de un enorme roble en Kensington Gardens, en el borde del Hyde Park. Escribí muchas letras ahí. Eran espacios verdes en los que podías estar cómodo y tener un poco de privacidad. Fui a Harrods y compré un pijama de seda negra y un par de pantuflas de felpa, y tenían tanta onda que los usaba todo el día. 

¿Qué recordás del show en vivo por la reedición de Raw Power?

No me acuerdo de esa noche específica, pero sí recuerdo muy bien esa tesitura. Una noche, tenía una resaca tan fuerte que la banda directamente me tiró en los arbustos frente al hotel. Nunca llegué a casa. Al día siguiente, no estaba como para cantar, y entonces probamos con todos remedios caseros. Así que ahí estaba: colgado del micrófono, tratando de cantar toda la canción, hasta que de pronto un enorme gorila apareció por el costado y me agarró. Era Elton John haciéndonos una joda. 

¿Qué música sobrevivió el paso del tiempo?

Highway 61 Revisited y Bringing It All Back Home. Siempre me gustó "Love Minus Zero / No Limit", es realmente hermosa. Igual, mi favorita es "Darkness at the break of noon, shadows even the silver spoon...". Esa, "It's Alright, Ma", es una canción genial. 

¿Alguna vez estuviste con Dylan?

Una vez, en una cena en lo de Yoko, y otra en un cumpleaños en la casa de Bob en Malibú. Me llevaron Don Was y Leonard Cohen. Bob era un buen tipo. Yo no lo escuché, pero me enteré de que, en un segmento de su programa de radio dedicado a los perros, puso "I Wanna Be Your Dog". [Imita a Dylan] "Y ahora, una de las mejores canciones sobre perros que se hayan escrito..." Con eso me sentí realizado, loco. 

¿Fuiste a alguno de los últimos shows de Leonard Cohen?

No, fue terrible, porque en la gira europea de los Stooges siempre llegábamos tres días después a cada lugar donde él tocaba. Llegábamos a una ciudad y nos decían: "Leonard Cohen estuvo fantástico y sensible, ¡y tocó durante tres horas!". Y yo decía: "Bueno, somos los Stooges, ¡nuestras canciones tienen once palabras, y después de una hora y cuarto ya querés que nos vayamos!"

Eso es muy gracioso...

Hace unos años, una chica publicó en los clasificados que estaba buscando a un hombre con la sensibilidad poética de Leonard Cohen y el poder crudo de Iggy Pop, así que Leonard trató de sumarme en un trío con ella [risas]. Me dijo: "¡Loco, le podemos dar las dos cosas!".

Por Austin Scaggs 

Fuente: Revista Rolling Stone de Argentina / Foto de Corbis.

"HAY SIGNOS DE MEJORÍA"

Parte médico de Gustavo Cerati:

El músico Gustavo Cerati "responde a estímulos" y se le practicó una traqueotomía "para mejorar el manejo de la vía aérea y para evitar lesiones en sus cuerdas vocales", según se reveló hoy durante el parte médico entregado por los profesionales que lo atienden en una clínica de Caracas. 


El nuevo parte entregado en rueda de prensa en el Centro Médico La Trinidad de Caracas, sirvió para pasar revista a las pocas novedades en torno al estado de salud del músico que el sábado 15 sufrió un accidente cerebro vascular tras un concierto en la capital venezolana.

Antonio Martinelli, jefe de terapia intensiva del nosocomio, insistió que "mientras un paciente continúe internado en terapia intensiva se está en riesgo de vida".

Pese a esta especificación, el médico repitió que quien fuera líder de Soda Stéreo quedará alojado no menos de 15 días en esa área y sostuvo que "podría ser trasladado aún estando en terapia intensiva", con lo que no descartó el viaje para que continúe su tratamiento en la Argentina.

Con la misma claridad, Martinelli indicó que "cuando uno ve la tomografía uno piensa que el paciente puede quedar con cierto déficit, pero eso no lo puede asegurar nadie, porque muchas personas recuperan esa parte del cerebro y muchas otras no".

En clave de futuro, el médico también detalló que traqueotomía a la que se sometió a Gustavo "buscó un mejor manejo de la vía área y evitar lesiones en las cuerdas vocales, algo que para él es muy importante".

Fuente: Agencia de Noticias Télam / Foto: Gentileza Archivo La Nación.

EL DISCO RECOMENDADO DEL DÍA ES:


C.G.C Recording S.A (En Formación)

Artistas: PET SHOP BOYS
Álbum: PANDEMONIUM
Género: SYNTH POP / ELECTROPOP / EURODANCE
Año: 2010

Sunday, May 23, 2010

LA VIGENCIA DEL ACTOR CÓMICO DE LA NACIÓN

Las profecías de Tato.

Las frases del humorista que describen a Cobos, el Indec, la política y los medios. Ulanovsky rescata textos inéditos escritos por el propio Bores y recuerda su obra y vida. 


Hace catorce años moría Tato Bores. Y se lo extraña tanto. Muchísimo. La mirada lúcida del Actor Cómico de la Nación, título que adquirió por iniciativa propia pero que el público refrendó una y otra vez, hace falta en estas épocas políticas complejas. En un tiempo en el que el humor político se nutre de imitadores y la risotada simple a la que apela la troupe de Showmatch, se extrañan las intervenciones de Bores. Sin embargo, el lanzamiento de Tato, que recopila textos autobiográficos del monologuista y una investigación periodística sobre su figura realizada por Carlos Ulanovsky, permite instalar en el presente algunas de las observaciones que realizó a lo largo de su carrera. Virtud premonitoria tatística o recurrencia en el error de los argentinos. En bastardillas, algunas perlas de Tato que permiten analizar nuestra actualidad.

La verdad es que no conviene ser presidente, sino vice. Si las cosas marchan bien, el presidente anda de viaje y el vicepresidente disfruta de la vida. Ocupa el sillón presidencial, se fuma los cigarros del presidente, abre los cajones, le lee las cartas y se divierte como loco. Y si las cosas marchan mal, al presidente lo echan y el vice se queda de patrón.


Si bien podría pensarse que esta frase está dirigida con claridad hacia Julio Cleto Cobos, los textos de Tato fueron escritos en los meses anteriores a su fallecimiento en 1996.
“Empezó esos diarios porque estaba sin trabajo ya que no lo contrataban y porque la confirmación del cáncer lo llevó a recluirse en su casa –explica Ulanovsky–. Alguien le dijo: ‘Es un tiempo ideal para escribir un libro’. Al principio refunfuñó y después se entusiasmó con la idea. Era así con los periodistas. Al principio te chumbaba. Te recibía preguntándote: ‘¿Para qué venís? ¿Qué me vas a preguntar? Ojo, cuidado con cómo va a salir. Y que no se te ocurra preguntarme por qué me llamo Tato...’ Y después no te largaba: te invitaba a tomar un whisky. ‘No, no te vayas, tomemos algo’.” El libro recorre la vida de Tato desde sus inicios, que fueron tempranos: “Tuvo una vida dentro del mundo del espectáculo muy extensa. Comenzó como plomo de orquesta, músico aficionado y luego se desarrolló en el teatro de revistas. En el ’47 tuvo su primer gran éxito con Igor, un niño judío muy alocado que salía en la radio. La madre no creía que él fuera Igor. Entonces él decidió llevarla. Se puso en la última fila del auditorio y miró. Pasó todo el programa. Al salir, Tato le preguntó: ‘¿Te convenciste de que al final era yo el del programa?’. ‘No’, le dijo, ‘era alguien parecido a vos pero no eras vos’. No daba a torcer el brazo nunca”.

Veinte años haciendo monólogos y pidiendo aumento para los maestros. Si no fuera por los maestros, seríamos mucho más burros de lo que somos.


Plena actualidad en el momento que los docentes neuquinos ingresan en su sexta semana de huelga. Y Tato lo sabía bien, se lamentaba por no haber terminado sus estudios y a veces, incluso, menospreciaba su propia inteligencia. Sin embargo, a pesar de un primer momento de rechazo, su familia apoyó su decisión de ser actor. Típica familia judía de la emigración, su madre se destacaba:
“Era de esas idische mame hinchapelotas... –se ríe Ulanovsky–. Tato era un tipo de la noche, pero ella lo esperaba siempre despierta. Cada vez que llegaba lo obligaba a darse un baño antes de ir a la cama. La madre, cuando estaba internada al final de su vida, llegó a su habitación en la clínica y, al ver un crucifijo, le dijo a Tato en yiddish: ‘Pero cómo, ¿no era que éramos judíos nosotros?’. Tato introdujo muchos aspectos de la cultura judía al imaginario popular. Como la palabra ‘tujes’, que proviene del yiddish”. Bores siempre contó con el apoyo de su familia. “Hay mucha coherencia en su obra y trayectoria, siempre expuso los principios que el viejo defendió –cuenta Alejandro Borenzstein, hijo de Tato, productor de sus últimos ciclos y actual columnista de humor político en Clarín–. Tato tenía una capacidad especial para reciclarse y ser moderno. Mi viejo se murió a los 70 años, pero siempre fue una de las cosas más modernas que vi en la tele, a pesar de su edad. Hoy hay una cosa dramática que no es para tanto. A veces me siento a escribir y me pregunto: ‘¿Qué es esto? ¿Estamos en una guerra? ¿De qué estamos hablando? Esto es más una comedia, no es para tanto. El otro día vi a Majul diciendo cosas que no se puede creer: parecía que estaba en una guerra”.

Ya calmado, me coloqué los guantes de amianto que me pongo siempre antes de tocar los diarios, que cada mañana están que queman.


Como si el canillita le tirara ahora mismo el Clarín por debajo de la puerta y Tato leyera las acusaciones de
“autoritarismo”, “corrupción” y un panorama de tragedia para el país en los títulos de tapa. La figura de Actor Cómico de la Nación es problemática porque el humor político, por lo general, no podría definirse como oficial u oficialista. “Siempre fue un cómico que satirizó a los poderes, algunas épocas más, otras menos –sostiene Ulanovsky–. Una vez, Tato pensó que, cuando Perón se quejó por la intervención de un humorista en la televisión, se refería a él. Escribió un texto en el que explica que, muchas veces, lo positivo no es gracioso. Y que por el contrario, hay cosas negativas que sí lo son. En realidad, Tato fue censurado muchas veces. Algunas veces de manera directa, otras mediante el mecanismo de dejarlo sin trabajo. Hoy existe un valor que se le da a la democracia que no existía. A pesar de que hay presiones, tensiones, aprietes y escraches; la libertad de expresión que existe es enorme. Cosa que no pasaba en la mayoría de los años en los que Tato trabajó, salvo los últimos. Yo entrevisté a la jueza Servini de Cubría, que dice que aquel famoso episodio de censura previa consistió en una operación del gobierno de Menem en la que se vio involucrada y cuyo objetivo era arrebatarle el juzgado. Dice que está muy arrepentida de haber tomado esa decisión. ¿Podría Tato estar hoy en televisión? El último humor político fue el del año pasado con las imitaciones, que era un estilo totalmente contrario al de Tato.Él ponía su cara y esa es otra de las cosas admirables. Aunque los hijos dicen que, incluso enfermo, él quería hacer un programa más chico, donde sólo estuviera el monólogo y la visita del invitado con quien iría a brindar. Lo iba a hacer en Canal 9. ‘Incluso quiero que la apertura me muestre entrando al tomógrafo’, pidió. Pero la enfermedad fue más fuerte. De todos modos, mucha gente dice: ‘¡Qué panzada se haría Tato con la situación actual!’.” “No encuentro una especie de continuidad tatesca –comenta el dibujante Rep–. Me pregunto cómo habría reaccionado ante la ida de Menem del poder, toda su payasización final. Cómo ante el 2001, ante toda la caída de la convertibilidad. El país y el mundo que dejó Tato son muy distintos, era un mundo pre Internet, pre 11 de septiembre, pre 2001. Él hubiera encontrado una mirada para relatar el mundo de hoy”.

Usted sabe muy bien que si a los chicos no les decimos la verdad, cuando crecen terminan trabajando en el Departamento de Estadísticas y Censos.


Seguramente, en ese programa Tato no hubiera dejado pasar las críticas al Indec. Los personajes que acompañaron a Bores eran reflejos de cada época.
“El corrupto se arrodilló ante Luis Barrionuevo cuando fue invitado al programa, poco después que dijera: ‘En este país hay que dejar de robar por dos años’ –recuerda Ulanovsky–.Carnaghi encarnó ese personaje a la altura de las circunstancias.” “Por supuesto que se reiría de los mismos personajes, porque los escenarios son similares y los lugares los ocupan diferentes personas pero los roles pueden ser los mismos –asegura Pedro Saborido, guionista de Diego Capusotto que formó parte del equipo de guionistas de Tato–. Lo que hoy hace Aníbal Fernández antes por ahí lo hacía Corach, eso de ser el vocero que banca todos los cachetazos. Y si antes había un personaje como Jaroslavsky, ahora puede haber un personaje sacado como Luis Juez”.

Escucho los discursos de los políticos y me parece estar escuchando un disco rayado. Por eso me pregunto: ¿no será que de escuchar siempre el mismo disco los argentinos nos estamos rayando?
“Seguramente habría un humor muy relacionado con el auge de las redes sociales, la discusión por el matrimonio homosexual –especula Ulanovsky cuando piensa cómo sería el humor de Tato en estos días–. Él incorporaba las nuevas tendencias, las modas y las sumaba al programa. Era un tipo muy perceptivo. Él incorporó a Federico Peralta Ramos a su programa que, en términos de rendimiento televisivo, era un gol en contra. Pero como le gustaba, lo bancó. Lo mismo pasó con el Tata Cedrón y su cuarteto y también con Piazzolla, cuando era recontracriticado por el mundo tanguero. Recuerdo esos hallazgos extraordinarios como ‘La máquina de cortar boludos’ o ‘El inodoro justiciero’. Era un hombre de su época  que se adelantaba a los tiempos que le tocaba vivir.” Como Pier Paolo Pasolini reclamaba, tal vez Tato hubiera acordado con esa máxima: “Hay que ser más moderno que todos los modernos”. Hoy se lo extraña. Su mirada ayudaría al examen del país (y nos haría reír con sus conclusiones). Sobre todo, Tato seguiría vigente porque sigue vigente una de sus frases proféticas, que funciona hoy como ayer. Y que, parece, funcionará siempre:

Ser argentino mucho tiempo seguido es muy difícil. 

Por Diego Rojas

Fuente: Revista VEINTITRÉS / ElArgentino.Com